VIDEOCINE: Trailer de "Shame - Sin reservas" (2011), de Steve McQueen

 

Brandon es un neoyorquino de treinta y pico de años con dificultades para la intimidad con las mujeres pero al mismo tiempo es adicto al sexo y tiene relaciones compulsivamente. En general, siempre citas ocasionales o romances condenados al fracaso de antemano. Cuando Sissy, la caprichosa hermana menor de Brandon y una prometedora cantante, aparece en su casa sin previo aviso y se instala allí, su estilo de vida tan particular y aislado, colapsa y al mismo tiempo, afloran recuerdos del doloroso pasado familiar en común. Tratará de escapar de los reclamos de su hermana y de las memorias que le trae, hundiéndose en lo más oscuro de Nueva York.

Antes de que Shame viera la luz nadie se había atrevido a traducir en imágenes tan descarnadas y salvajes la lucha interior de un adicto al sexo. En el filme (que podría traducirse como "Vergüenza" o "Deshonra") la actividad sexual del protagonista va in crescendo hasta límites cuasi pornográficos. El londinense Steve McQueen es un director negro que con su ópera prima «Hunger» se ganó el respeto de la crítica.  

Michael Fassbender es un irlandés de origen alemán que se ha convertido en uno de los hombres del momento, escalando peldaños con filmes como Bastardos sin gloria, X Men: Primera generación, Jane Eyre y sobre todo Un método peligroso de David Cronenberg.
Se estrena en Argentina el 1 de marzo.
 

ANECDOTARIO: El terror real de los actores de "Alien, el octavo pasajero"

 
"Alien, el octavo pasajero", de Ridley Scott, fue una de las obras más sonadas de su director, en el año 1979. El título de la película hace referencia a su principal antagonista: una agresiva criatura alienígena que acecha y asesina a la tripulación de una nave espacial, encabezada por Sigourney Weaver y Tom Skerrit.

La famosa escena de en la que la larva de la criatura sale por primera vez del vientre del personaje de John Hurt fue rodada con 4 cámaras simultáneas y en una sola toma.

Sin que los actores supieran con precisión qué iba a pasar (excepto Hurt), el director dio la orden de acción y la escena se desarrolló a la perfección, generando reacciones verdaderas de los actores.

Veronica Cartwright se llevó una enorme sorpresa y lo dejó ver en su asustado rostro, al que rociaban con sangre. A pesar que lo actores sabían de qué iba la escena, no les proveyeron de un guion escrito y tuvieron que improvisar los diálogos.



Para que la reacción de asco y horror fuera aún más auténtica, se utilizaron vísceras reales de animales, para el trucaje de la aparición del Alien.
Como se ve, una vez más el cine apela a cierta naturalidad y espontaneidad para captar la reacción verdadera de sus criaturas y llevar mayor realismo a la pantalla gigante.

FOTO ACERTIJO

En contra de los deseos de su familia, una mujer se enamora de su peculiar vecino, y gracias a él se convertirá en una de las más importantes fotógrafas del siglo XX.

El argumento de la película es una ficción que se centra en un período concreto de la vida de la artista. No es un filme biográfico, sino que mezcla realidad con grandes dosis de ficción.


Responder:
1- Título del filme
2- Actores de la foto
3- Personaje real en el que está basado el filme


Hacé click en comentarios para responder.

Excelente Matías, aLtE®MaRiaNiTa, Ayelén y buen aporte de FH!

1- "Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus" (Retrato de una pasión, en Argentina).
2- Nicole Kidman y Robert Downey Jr.
3- Diane Arbus 

VIDEOCINE: Trailer de "La suerte en tus manos" (2012), de Daniel Burman

Uriel es una de esas personas que tropieza dos veces con la misma piedra. Está descontento, es un hombre divorciado y padre de dos hijos, que trabaja en la empresa heredada de su familia. Un día, gracias al póquer —un juego que, con sus reglas claras, lo conecta con sus deseos— se reencuentra con su novia de la juventud, Gloria, recién llegada de Francia, donde acaba de terminar una relación.
Enamorado, renovado y con la filosofía del póquer como guía, Uriel entiende que está ahora ante sus mejores cartas y que volver a intentarlo es un imperativo vital. 


Daniel Burman vuelve a la carga con esta comedia romántica que se estrena este próximo jueves 29 de marzo. Allí la mirada está puesta en Uriel, un cuarentón separado y con hijos a cargo de una financiera familiar, adicto al póquer por Internet. La casualidad y su llegada a un gran casino rosarino lo reencuentra con una novia de antaño, que parece lo está esperando para, sin esfuerzo, cambiar su vida por completo.
El compositor y cantante uruguayo Jorge Drexler, en su debut como actor, se suma a la ya experimentada actriz de cine Valeria Bertuccelli, más Norma Aleandro y Luis Brandoni.

Crítica - "Martha Marcy May Marlene" (2011), de Sean Durkin: MISTERIOSO DRAMA SOBRE UNA JOVEN FUGITIVA (por halbert)

Caracterizadas por la adscripción de personas totalmente subordinadas a las ideas de un líder, que pueden presentarse bajo las formas de identidad religiosa, asociación cultural o grupo terapéutico, las sectas utilizan las técnicas de control mental y de persuasión coercitiva para que todos los miembros dependan de la dinámica y del grupo y pierdan su estructura y su idea de pensamiento individual en favor de la idea colectiva.

 Martha es una joven atormentada por dolorosos recuerdos, que sufre un repentino trastorno psicológico.
Al comienzo, la vemos desesperada, huyendo a hurtadillas de una enorme casa, donde una veintena de jóvenes duermen hacinados. Busca ayuda en su hermana mayor Lucy, de la que estaba distanciada desde hacía 2 años, pero Martha no tiene ni capacidad ni voluntad para revelar la verdad sobre su desaparición.
A medida que avanza el guion, se va develando en flashbacks, muy bien intercalados, el reciente pasado de la joven, dejando ver que había sido “adoptada” por una secta, con un líder tan carismático como perverso.



En medio de su intento de recuperar una vida normal tras escapar, intenta adaptarse al alto estilo de vida de su hermana recién casada, pero acosada por constantes pesadillas, no le resulta nada fácil, haciendo casi imposible la convivencia.
Inquietante en todo momento, muy bien montada, bellamente fotografiada y constantemente ambigua, la historia avanza paralelamente, intercalando el reciente pasado de Martha en la secta (en la que es apodada Marcy May) y su “evolución” dentro de la misma, con el presente en la bella casa de fin de semana de su hermana y el marido, donde están pasando unas breves vacaciones.



El ritmo de la película es parsimonioso, con pequeñas dosis de impacto emocional, cuando Martha se comporta extrañamente con el matrimonio (ya sea desnudándose completamente para nadar en el lago o entrar a la habitación de la pareja y acostarse al lado de ellos mientras hacen el amor, entre otras cosas).
El guion está construido con gran destreza, develando poco a poco las pistas justas que permiten ir resolviendo el enigma con el que arranca la película.
El protagónico de Elizabeth Olsen (hermana menor de las famosas gemelas Ashley y Mary-Kate) es digno de destacar, dotando a su personaje con un tono entre lánguido y etéreo, víctima de una inocencia ultrajada por la cofradía de la que quiere huir.




El debutante realizador Sean Durkin ganó el premio a la mejor dirección en el festival independiente de Sundance, donde se destacó la gran interpretación de Olsen y de otro de los protagonistas: John Hawkes, nominado al Oscar en 2011 por “Winter´s Bone”.
Basado en un cortometraje que filmó en 2009, el director muestra cómo es el regreso para esta muchacha, tras haber estado viviendo de una manera totalmente diferente a la que se considera normal. Si bien no hay una gran encrucijada por resolver, cierto tono de misterio que tiene el filme logra ser atrapante y se consigue una atmósfera inquietante.

PERSONAJES MEMORABLES (y los actores que les dieron vida): Salma Hayek como Frida Kahlo

Convertida en una celebridad en su país natal, México, protagonizando telenovelas, Salma Hayek decidió abandonar una carrera segura como estrella de culebrones mexicanos para probar fortuna en la meca del cine y empezar en Estados Unidos.
Estudió actuación en Los Ángeles, California, y obtuvo pequeños papeles en algunas películas menores y programas de televisión por cable.

Tras un primer año en Los Angeles dedicado a aprender inglés y tomar clases de interpretación, Salma debutó en la gran pantalla con un papel secundario en Mi vida loca (1993). Aunque su gran oportunidad llegó dos años después, cuando el director Robert Rodriguez la fichó para participar en Desperado, la secuela de su exitosa El mariachi. El filme, protagonizado por Antonio Banderas, sirvió a la actriz como tarjeta de presentación en Hollywood.
La mayoría de los títulos en los que Hayek apareció en adelante fueron films más bien modestos, hasta que en 2002 vio cumplido uno de sus sueños: dar vida en la gran pantalla a la pintora mexicana Frida Kahlo, a la que admiraba desde hacía tiempo. Su trabajo en Frida, de la que también es productora, le valió una nominación al Oscar a la mejor actriz.



La adaptación de su vida al cine ha motivado los comentarios más diversos en todo el mundo, y una gran parte de los críticos especializados coincide con que la película de Julie Taymor es sólo una historia de amor más, muy lejos de la pasión y la locura de la auténtica que vivió Kahlo junto a su esposo, el pintor Diego Rivera. Sin embargo, lo que es incuestionable es el cuidadoso tratamiento visual dado al filme todo.



Tal como una pintura de la artista, la película demuestra una osada apuesta visual y estética. Cada plano parece estar dotado de una dedicación sumamente cuidada, que presta especial atención a los colores y texturas de la imagen. Tal vez, la elección de Salma Hayek para personificar a la sufrida pintora no sea la más feliz decisión, pero sabiendo los años que ha estado detrás del proyecto hasta conseguir ser la productora del mismo, no podía esperarse otra cosa. Más allá de que a través del maquillaje y otros trucos hayan intentado afearla, no encaja precisamente con el prototipo de belleza que caracterizaba a Frida.



Para obtener sus características e inalterables cejas, la artista en maquillaje agregó finísimos cabellos a la ceja natural de Hayek para crear un arco más grueso, así como también el característico bigote que hizo de Kahlo un ser único. También la diseñadora de vestuario visitó casas de diseño y guardarropa, mercados mexicanos y libros de historia para encontrar ropa y joyería del mismo tipo del que la artista solía usar. En cuanto a la historia del film, éste se dedica casi exclusivamente a los avatares del matrimonio y a la aparición en la vida de la pintora del filósofo Leon Trotsky, restando la posibilidad de explorar más profundamente a la artista en sí.




Igualmente, y aunque el guión cuente cuán grandiosa era la pintura de Frida, la dinámica energía de la directora sumada a la potente personalidad del personaje protagónico, le brindan al filme un genuino impacto emocional. Para Hayek, el secreto de la resistencia del amor y el arte de Diego y Frida fue la “voluntad de la pareja para descubrir quién era la otra persona - y a su vez descubrir quién era cada uno de ellos. Frida estaba llena de valor para ser la persona que era y para enfrentar la vida tal cual ésta era y para disfrutar cada segundo intensamente, aún el sufrimiento, es verdaderamente fuente de inspiración. Su pasión me hizo apasionada".



También es interesante traer a colación la bisexualidad manifiesta de Kahlo en el filme, pues es un elemento que hace actual la historia. Con respecto al idioma inglés en el que está hablado el filme, para algunos las quejas parecen ridículas y para otros el inglés se toma como afrenta. Considerando el sufrimiento que pudo haber pasado por las desgracias que le tocaron vivir, en el filme se descubre a una Frida alegre, risueña, optimista, consiguiendo borrar una personificación de la amargura que muchos tenían de la pintora. La caracterización y el guión no dejan dudas que, en vida, la pintora sufrió bastante, pero al mismo tiempo dan a entender que aunque la vida parecía empeñada en hacerla desgraciada, a Frida Kahlo no le dio la gana serlo.

FOTO ACERTIJO: Películas oscarizadas x 10

Luego que este año "El artista" ganara el Oscar como Mejor Película, muchos curiosos se han abocado a verla y comprobar con ojos propios si era merecedora del galardón.
Más allá de las opiniones personales, siempre una peli ganadora tiene aspectos especiales.

Aquí arriba hay 10 ejemplos de filmes que se hicieron con la estatuilla, coronándose en su año correspondiente como la gran triunfadora.

Responder: 
Título de cada filme con su Nro. correspondiente.

 Hacé click en comentarios para responder, y en la foto para AGRANDARLA.

Muy buenos intentos de Dialoguista y FH!

Veamos las respuestas correctas:

1- Gandhi

2- Nido de ratas

3- La fuerza del cariño

4- El paciente inglés

5- Rebecca

6- Patton

7- El discurso del rey

8- Marty

9- Shakespeare apasionado

10- Corazón valiente

NOTICIA: Taller OPEN DC de Cine en la Universidad de Palermo

Open DC es un ciclo de talleres libres y gratuitos abiertos a la comunidad organizado por la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo en el cual se desarrollan temáticas sobre todas las áreas vinculadas al Diseño y a las Comunicaciones. Se realiza en 2 ediciones al año: Abril - Mayo y Septiembre - Octubre.

Los talleres son de dos (2) clases de 1.30 hs cada una, dictados por profesionales-docentes de esta Facultad e invitados especializados en cada temática con el objetivo de ofrecer una amplia cantidad de talleres con excelente nivel académico.

Esta vez tengo el gusto de volver a participar en él, dictando un NUEVO TALLER INTRODUCTORIO. Aquí les dejo los datos de fechas, horarios, objetivos y contenidos:

Objetivo general

El taller es introductorio y tiene por objetivo tomar un primer contacto con los conceptos audiovisuales básicos para ver con ojo crítico una película o un producto audiovisual.

Dirigido a

Dirigido a todo interesado en comenzar a analizar historias audiovisuales.

Requisitos

Sin conocimientos específicos previos.

Clase 1: El guión, el encuadre y la luz

Contenidos

El guión audiovisual, su definición y usos. El conflicto y sus tipos. Encuadre. Campo visual. Rasgos esenciales. Toma, plano, escena, secuencia. Posiciones y movimientos de cámara. Composición de cuadro. Luz cinematográfica. Características de la luz, según su visibilidad, dirección y naturaleza. Grados de iluminación: low key y high key.

Clase 2: El sonido y el montaje

Contenidos

El sonido en cine. Banda sonora: diálogos, música, ruidos. El montaje como específico del lenguaje audiovisual. Definiciones del concepto “montaje”. Las transiciones. Las articulaciones espacio-temporales.

Bibliografia:

Bedoya, Ricardo y Frías, Isaac León “Ojos bien abiertos; El lenguaje de las imágenes en movimiento” Lima, Universidad de Lima, 2003
Comparato, Doc “De la creación al guión” España, IORTV, 1988
Sánchez, Rafael C. “Montaje cinematográfico – Arte de movimiento” Buenos Aires, La Crujía Ediciones, 2003
Fernández Diez, F. y Martínez Abadía, José “La dirección de producción para cine y televisión” “Manual básico de lenguaje y narrativa audiovisual” Barcelona, Paidos
Millerson, Gerald “Manual de Producción de Video” Madrid, Paraninfo, 1995 

GRACIAS OPEN DC!!!

Crítica - "Un dios salvaje" (2011), de Roman Polanski: BUENAS ACTUACIONES EN UN FILME ´TEATRAL´" (por halbert)

Aclamada por la crítica y el público, la obra de teatro en la que se basa este último filme de Roman Polanski, obtuvo un gran éxito en París, Londres y Broadway, tras su estreno en 2006, y ganó varios galardones en los premios Olivier y Tony de teatro.
La obra en cuestión es “Un dios salvaje” (“Le Dieu du carnage” en su original), escrita para las tablas por la exitosa Yasmina Reza (“Art”, “Tres versiones de la vida”).

La trama se enfoca en cuatro personajes, dos matrimonios específicamente, que han generado un encuentro en el departamento de uno de ellos, para solucionar, civilizadamente, un episodio violento entre los hijos de ambos.
Aparentemente, una lucha escolar entre los niños de 11 años terminó con uno de ellos lastimado.
Al principio, el diálogo entre las dos parejas va bien y transcurre cordialmente.
Pero poco a poco, la charla entre la inversora de bolsa (Kate Winslet), la escritora activista (Jodie Foster), el vendedor de artículos para el hogar (John C. Reilly) y el ocupado abogado (Christoph Waltz ) va subiendo de tono, y las buenas intenciones dan paso a una esgrima oratoria que saca lo peor de cada uno de ellos.



Casi tan importante como los cuatro personajes es el escenario. Construido en unos estudios de las afueras de Paris, el plató fue creado por director artístico Dean Tavoularis, dando vida detalladamente a un apartamento neoyorkino de lo más realista, “inventando” las ventanas que dejan ver la calle y los cielos de NYC. Así, ya sea desde el living, como desde la cocina o el baño, se permite un mayor respiro al encierro que implica ver la película toda puertas adentro.

Los personajes se mueven todo el tiempo, para dar mayor dinamismo a la puesta, incluso “sacándolos” al pasillo del edificio sin que la charla se suspenda. Hay instancias de mayor climax y otras no tanto, pero claramente, el filme se basa en la excelencia de las performances actorales. Winslet, Foster, Waltz y Reilly se sacan chispas durante los 75 minutos, en tiempo real, que dura el filme, pues prácticamente no hay elipsis.

Mejor le había ido al director con su adaptación de la obra "La muerte y la doncella", de Santiago Dorfman, protagonizada en 1994 por Sigourney Weaver y Ben Kinglsey.Ver “Carnage” en pantalla es casi como verla en una sala de teatro, lo que le puede restar puntos a esta adaptación cinematográfica hecha por Polanski y Reza.

VIDEOCINE: Trailer de "Luces rojas" (2012), de Rodrigo Cortés

Dos científicos investigadores de fraudes paranormales, la veterana doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su joven ayudante Tom Buckley (Cillian Murphy), estudian los más diversos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento. Simon Silver (Robert De Niro), legendario psíquico, tal vez el dotado más célebre de todos los tiempos, reaparece después de treinta años de enigmática ausencia para convertirse en el mayor desafío mundial para la Ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales. 

Este es el tercer largometraje de Rodrigo Cortés  tras las multipremiadas Concursante (2007) y Enterrado (2010). Un thriller psicológico que explora los mecanismos de percepción del cerebro humano y las fronteras difusas entre creencia y ciencia.
Mientras Ryan Reynolds sufría el rodaje de Enterrado, el guión original de Luces rojas ya aguardaba en el escritorio de trabajo de Cortés. El proyecto llevaba tiempo gestándose y, finalmente, luego del éxito de 2010, pudo ver la luz este filme que se estrena, en principio, el 26 de julio en Argentina.

ANECDOTARIO: La increíble búsqueda de actores para "El silencio de los inocentes"

Tal vez nunca sepamos por qué “Manhunter” (Michael Mann, 1986) no se convirtió en un éxito. La primera película en la que aparece el personaje de Hannibal Lecter fue un sonado fracaso en taquilla y su productor cedió gratuitamente los derechos de la novela The silence of the lambs a Orion Pictures.



Dos años después, Jodie Foster quiso adquirir los derechos de la novela pero se encontró con que los había comprado Gene Hackman, con la intención de dirigir y protagonizar el filme, sin haber decidido si interpretar el rol de Lecter o el de Jack Crawford (jefe de Clarice Starling). Finalmente no se decidió y volvió a ceder a la Orion los derechos de la novela.

Posteriormente, Orion Pictures contrató a Jonathan Demme, un director habituado a realizar filmes de bajo presupuesto que parecían grandes producciones. Demme sabía que necesitaba a dos grandes actores para los roles principales. Para dar vida a Clarice, el guionista Ted Tally enseguida pensó en Jodie Foster, pero Demme quería a Michelle Pfeiffer, a quien había dirigido en "Casada con la mafia" o "Casada con todos" (1988). Cuando Pfeiffer leyó el guión, consideró que la película era muy violenta y rechazó el proyecto.
A raíz de ello, se realizó un casting de más de 300 actrices sin hallar a la adecuada. Tras el fracaso, el director aceptó entrevistarse con Foster y la determinación mostrada por la actriz para hacerse con el papel hizo que Demme la eligiera.

Más complicado fue encontrar al Lecter idóneo. La primera opción era Sean Connery. El actor escocés leyó el guión y lo rechazó de plano. El segundo en la lista era Jeremy Irons, que también se negó, porque venía de protagonizar otro rol violento en “Mi pasado me condena” o “El misterio Von Bullow” (Barbet Schroeder, 1990).
El tercer elegido era John Hurt, quien tampoco se sintió atraído por el personaje. Como cuarta posibilidad se le ofreció el papel a Christopher Lloyd, mundialmente famoso por ser el excéntrico doctor Brown en la Trilogía “Volver al Futuro”, quien también declinó la oferta.

El siguiente a entrevistar fue el actor británico Patrick Stewart, el capitán Jean-Luc Picard de la serie televisiva “Star Trek: la nueva generación”, pero lo rechazó por incompatibilidad con el rodaje de la serie.
Decididos a buscar un actor que dé solvencia artística a la película, las siguientes ofertas fueron a parar a las manos de Robert Duvall, Robert De Niro y Jack Nicholson, quienes rechazaron también el papel. Desesperado, Demme se pasaba horas revisando películas, a ver si daba con el actor idóneo para el personaje, y así fue como vio “El hombre elefante” (David Lynch, 1980), quedando maravillado con la interpretación que había hecho Anthony Hopkins, convencido de que podía ser un perfecto Hannibal Lecter.

Con la aceptación de éste, el equipo protagónico quedó conformado, logrando luego el récord de los Oscars: ganar los 5 más importantes (Película, Guión Adaptado, Actor, Actriz y Director). La lucha valió la pena, porque “El silencio de los inocentes” es ya un clásico del cine para toda la vida.

NOTICIA: Nominaciones a los Premios Cóndor de Plata 2012, Argentina

La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina (ACCA) anunció las nominaciones a los Premios Cóndor de Plata que en su edición 60° reconocerá a las mejores películas argentinas estrenadas en 2011. Éstas son las nominaciones:

MEJOR PELÍCULA

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO
EL ESTUDIANTE
EL GATO DESAPARECE
LAS ACACIAS
LOS LABIOS

MEJOR DIRECTOR

SEBASTIÁN BORENSZTEIN (UN CUENTO CHINO)
PABLO GIORGELLI (LAS ACACIAS)
SANTIAGO MITRE (EL ESTUDIANTE)
CARLOS SORIN (EL GATO DESAPARECE)
FERNANDO SPINER (ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO)

 
MEJOR ACTOR

PABLO CEDRON (ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO)
RICARDO DARIN (UN CUENTO CHINO)
LUIS LUQUE (EL GATO DESAPARECE)
ALBERTO DE MENDOZA (LA MALA VERDAD)
OSMAR NÚÑEZ (JUAN Y EVA)

 MEJOR ACTRIZ

GRACIELA BORGES (VIUDAS)
JULIETA DIAZ (JUAN Y EVA)
SUSU PECORARO (VERDADES VERDADERAS, LA VIDA DE ESTELA)
ERICA RIVAS (ANTES DEL ESTRENO)
BEATRIZ SPELZINI (EL GATO DESAPARECE)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

ALEJANDRO AWADA (VERDADES VERDADERAS, LA VIDA DE ESTELA)
DANIEL FANEGO (VAQUERO)
FERNAN MIRAS (JUAN Y EVA)
MARTIN PIROYANSKY (MI PRIMERA BODA)
CLAUDIO RISSI (ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

RITA CORTESE (LOS MARZIANO)
VERONICA LLINAS (CERRO BAYO)
MURIEL SANTA ANA (UN CUENTO CHINO)
MALENA SOLDA (LA MALA VERDAD)
MARÍA UCEDO (JUAN Y EVA)

REVELACIÓN MASCULINA

MARTIN BOSSI (VIUDAS)
JAVIER DE PIETRO (AUSENTE)
GERMAN DE SILVA (LAS ACACIAS)
HUANG SHENG HUANG (UN CUENTO CHINO)
ESTEBAN LAMOTHE (EL ESTUDIANTE)

REVELACIÓN FEMENINA

HEBE DUARTE (LAS ACACIAS)
DIANA LAMAS (EL AGUA DEL FIN DEL MUNDO)
ROMINA PAULA (EL ESTUDIANTE)
ELENA ROGER (UN AMOR)
VICTORIA RAPOSO (LOS LABIOS)

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

ALAMAR (DE PEDRO GONZALEZ-RUBIO) (MEXICO)
BALADA TRISTE DE TROMPETA (DE ALEX DE LA IGLESIA) (ESPAÑA)
LA PIEL QUE HABITO (DE PEDRO ALMODOVAR) (ESPAÑA)
NORBERTO APENAS TARDE (DE DANIEL HENDLER) (URUGUAY)
VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS (DE ANDRES WOOD) (CHILE, BRASIL, ARGENTINA)

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO HISPANA

DE DIOSES Y HOMBRES (DES HOMMES ET DES DIEUX)(DE XAVIER BEAUVOIS) (FRANCIA)
HABEMUS PAPA (DE NANNI MORETTI) (ITALIA/FRANCIA)
LE QUATTRO VOLTE (DE MICHELANGELO FRAMMARTINO) (ITALIA/ALEMANIA/SUIZA)
MEDIANOCHE EN PARIS (MIDNIGHT IN PARIS)(DE WOODY ALLEN) (EE.UU./ESPAÑA)
PINA (DE WIN WENDERS) (ALEMANIA/FRANCIA/REINO UNIDO)

INNOVACIÓN ARTÍSTICA
AUSENTE (DE MARCO BERGER)
FAMILIA TIPO (DE CECILIA PRIEGO)
LA RISA (DE IVAN FUND)
UN MUNDO MISTERIOSO (DE RODRIGO MORENO)
UN REY PARA LA PATAGONIA (DE LUCAS TURTURRO)

MEJOR OPERA PRIMA

EL ESTUDIANTE (DE SANTIAGO MITRE)
LAS ACACIAS (DE PABLO GEORGELLI)
MEDIANERAS (DE GUSTAVO TARETTO)
EL AGUA DEL FIN DEL MUNDO (DE PAULA SIERO)
VAQUERO (DE JUAN MINUJIN)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

EL ESTUDIANTE (SANTIAGO MITRE)
LAS ACACIAS (PABLO GEORGELLI, SALVADOR ROSELLI)
MEDIANERAS (GUSTAVO TARETTO)
EL GATO DESAPARECE (CARLOS SORIN)
UN CUENTO CHINO (SEBASTIAN BORENSZTEIN)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (FERNANDO SPINER, JAVIER DIMENT, SANTIAGO HADIDA) (ADAPTACIÓN DEL CUENTO HOMÓNIMO DE ANTONIO DI BENEDETTO)
EL DEDO (CARINA CATELLI) (ADAPTACIÓN DEL LIBRO “EL DEDO DE BALDOMERO” DE ALBERTO ASSARDOURIAN)
EL DERROTADO (JAVIER TORRE, RODOLFO MÓRTOLA) (ADAPTACIÓN DEL LIBRO HOMÓNIMO DE LEOPOLDO TORRE NILSSON)
JUAN Y EVA (PAULA DE LUQUE) (ADAPTACIÓN DE LA NOVELA HOMONIMA DE JORGE COSCIA)
UN AMOR (PAULA HERNANDEZ, LEONEL D´AGOSTINO) (ADAPTACIÓN DEL CUENTO HOMÓNIMO DE SERGIO BIZZIO)

MEJOR FOTOGRAFÍA

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (CLAUDIO BEIZA)
EL GATO DESAPARECE (JULIAN APEZTEGUÍA)
JUAN Y EVA (WILLI BEHNISCH)
LAS ACACIAS (DIEGO POLERI)
MEDIANERAS (LEANDRO MARTINEZ)

MEJOR MONTAJE:

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (ALEJANDRO PARYSOW)
EL ESTUDIANTE (DELFINA CASTAGNINO)
EL GATO DESAPARECE (MOHAMED RAJID)
JUAN Y EVA (ALBERTO PONCE)
LAS ACACIAS (MARIA ASTRAUSKAS)

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (SANDRA IURCOVICH)
FONTANA, LA FRONTERA INTERIOR (MARIELA RIPODAS)
JUAN Y EVA (RODOLFO PAGLIERE)
MEDIANERAS (LUCIANA QUARTARUOLO, ROMEO FASCE)
REVOLUCIÓN, EL CRUCE DE LOS ANDES (SERGIO RUD)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (GUSTAVO POMERANEC)
EL GATO DESAPARECE (NICOLAS SORIN)
JUAN Y EVA (IVÁN WYSZOGROD)
MEDIANERAS (GABRIEL CHWOJNIK)
REVOLUCIÓN, EL CRUCE DE LOS ANDES (SEBASTIAN ESCOFET)

MEJOR SONIDO

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (SEBASTIAN GONZALEZ)
EL GATO DESAPARECE (JOSÉ LUIS DÍAZ)
LAS ACACIAS (MARTIN LITMANOVICH)
REVOLUCIÓN, EL CRUCE DE LOS ANDES (MARTIN GRIGNASCHI)
UN CUENTO CHINO (CHARLY SCHMUKLER, EDUARDO ESQUIDE)

MEJOR VESTUARIO

JUAN Y EVA  (MARCELA VILARIÑO)
ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (NICOLAS MARTINEZ ZEMBORAIN)
REVOLUCIÓN, EL CRUCE DE LOS ANDES (JULIO SUAREZ)
FONTANA, LA FRONTERA INTERIOR (PAOLA DELGADO, PEONÍA VELOZ)
MI PRIMERA BODA (ANA MARKARIAN)

MEJOR DOCUMENTAL

AU3 – AUTOPISTA CENTRAL (DE ALEJANDRO HARTMANN)
HACHAZOS (DE ANDRES DI TELLA)
TATA CEDRON, EL REGRESO DE JUANCITO CAMINADOR (DE FERNANDO PEREZ VACCHINI)
TIERRA SUBLEVADA 2: ORO NEGRO (DE FERNANDO PINO SOLANAS)
UN TREN A PAMPA BLANCA (DE RODOLFO FITO POCHAT)