Crítica - "Una vida mejor" (2011), de Chris Weitz: "La ´Ladri di biciclete´ mexicana" (por halbert)

ATENCIÓN: SPOILER / CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE EL ARGUMENTO DEL FILME.

La migración de mexicanos a Estados Unidos es un fenómeno que involucra dos sociedades y que tiene lugar en momentos concretos del desenvolvimiento histórico de ambas. Es ampliamente aceptado que esta cuestión se relaciona en cuanto a los elementos de carácter interno se refiere, con la situación que guarda el empleo. El origen del problema es el escaso nivel de desarrollo alcanzado en muchas zonas del país y la baja posibilidad de crecimiento. El desplazamiento de emigrantes mexicanos hacia Estados Unidos es esencialmente un fenómeno laboral impulsado por la interacción de factores que operan en ambos lados de la frontera, donde los factores asociados con la demanda de trabajadores mexicanos en Estados Unidos son tan importantes como los de la oferta.

“A better life” narra la historia de Carlos Galindo, un jardinero cuarentón, inmigrante ilegal mexicano, que realiza trabajos de poda en los jardines de los patrones más ricos en el Este de California. Es una persona digna y modesta, cumpliendo a rajatabla su trabajo de todos los días. Su principal meta es proteger a su hijo adolescente de las pandillas que giran en el entorno de la ciudad en donde viven para que no termine involucrado en el mal camino.
La estructura del guión tiene cierta similitud con el ultra clásico italiano “Ladri di biciclete” (Ladrón de bicicletas) de Vittorio De Sica, la magnánima obra neorrealista de fines de los 50s, en la que un padre y su hijo iban en busca de la bicicleta que les robaron, el único medio que tenían para sobrevivir en una Italia devastada por la 2da. Guerra Mundial.


Aquí, el protagonista se endeuda con su hermana para poder comprar una camioneta equipada con todas las herramientas de podado (la troca como ellos le dicen) que le permitirá subsistir y poder llevar una vida digna. Ante el robo de la misma, sale a recuperarla con su único hijo adolescente por las calles de California, debiendo atravesar la barrera de la legalidad, tal como lo hiciera el protagonista del clásico italiano.
El ritmo del filme es sosegado en su comienzo, cuando nos presenta a sus personajes dentro del contexto en el que viven, mostrando la pesada rutina del jardinero, que sólo vive para trabajar y duerme en el sofá de un pequeño apartamento, y tiene una tirante relación con su hijo, que se rodea de amigos poco convenientes. Luego la trama va cobrando mayor intensidad dramática al momento de enfrentar el conflicto principal del pobre hombre.
 

La película es realista, no es complaciente con sus criaturas, y las somete a situaciones límites en las que intentarán salir airosos. Como nieto de una actriz mexicana de comienzos del cine sonoro, su director, el estadounidense Chris Weitz (alejado esta vez de su "American pie" o su genial “About a boy”), no se permite dulcificar la historia; describe, así, una realidad agria y dolorosa para una gran parte de las comunidades que se asientan ilegalmente buscando oportunidades en suelo norteamericano, en este caso, la colectividad mexicana, que intenta subsistir con tareas de maestranza, limpieza y, esta vez, de jardinería.


Sobre un guión de Eric Eason, basado en una historia escrita por Roger L. Simon, inicialmente conocida como "The Gardener", el grueso del éxito del filme se apoya en la construcción de los personajes y en las actuaciones. Podría tranquilamente ser un filme mexicano realizado en EEUU, pues los diálogos son en un spanglish con términos propiamente aztecas que, incluso, pueden complicar al espectador de habla castellana para lograr una comprensión del 100% de lo que se dice; igualmente, ello no consigue hacer que uno se pierda de entender lo sucedido, sino que es un artilugio más para hacer aún más creíble la caracterización de los personajes.



Demian Bichir (nominado por los SAG e Independent Spirit Awards) compone a un jardinero silencioso, taciturno, que pasa desapercibido ante una sociedad a la que no pertenece, evadiendo así a los agentes de inmigración, intentando darle a su joven hijo las oportunidades de las que él careció. Le da enorme profundidad a su rol con su mirada cansada, disconforme, descorazonadora, denotando pequeños brillos de optimismo cuando obtiene lo que quiere, pero luchando con las pocas fuerzas que tiene ante un sistema que lo quiere fuera de allí. En una escena culminante, dialogando con su hijo, logra arrancar lágrimas auténticas en el espectador, que ve cómo las esperanzas de esta criatura se van desvaneciendo sin concesiones. Es una dura película, con una crudeza verdadera, sin edulcorante, que deja ese sabor amargo que nos petrifica frente a los créditos finales.

FOTO ACERTIJO

Película mexicana estrenada en el año 2001. Está protagonizada por 2 mexicanos y 1 española.

Se presentó en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Venecia, donde obtuvo el galardón al mejor guion y los dos actores varones recibieron el premio Marcelo Mastroianni como revelación. También logró una nominación al Premio Oscar al Mejor guión original. Ha sido una película de gran éxito, siendo ya un ícono dentro del nuevo cine mexicano.

Dos jóvenes de 18 años, originarios del D.F., uno, hijo de un político de alto rango, y otro de clase media de una familia liberal, están de vacaciones. A ambos los une una gran amistad: fuman marihuana, salen a divertirse y se masturban a dúo. Son muy unidos, hasta que conocen a Luisa, que los cambiará para siempre...

Responder:
1- Título del filme
2- Actores de la foto
3- Director
4- Actriz española protagonista

Hacé click en comentarios para responder.

Excelentes aportes de prácticamente todos. 

Gracias Daniel, Gustave, Rodrigo, Olvin, Angel, Xipo y Etban!

1) Y tu mamá también!
2) Gael García Bernal y Diego Luna
3) Alfonso Cuarón
4) Maribel Verdú.

ESPECIAL: Top 10 de lo visto en 2011 para "MI CINE - por halbert"

Nina (la ganadora del Oscar por este rol, Natalie Portman) es una brillante bailarina; forma parte de una compañía de ballet de Nueva York y vive completamente absorbida por la danza. Al verla relacionarse con el resto de la gente y, especialmente, con su manipuladora madre (Barbara Hershey), es posible que padezca un malestar del tipo esquizofrénico. Se la ve temerosa, amedrentada por todo la que la rodea. Es brillante en lo suyo y seguramente será elegida por el estricto director de la compañía (Vincent Cassel) para protagonizar el ballet “El lago de los cisnes” de Chaikovski, tema que la tiene muy tensa y estresada. La llegada de una nueva compañera, Lily (Mila Kunis), y la lógica rivalidad con ella se irá agudizando a medida que se acerca el gran día del estreno. La cámara, en continuo seguimiento de su protagonista en planos cercanos resulta opresiva, molesta, tanto como el sentimiento del personaje, en constante desequilibrio. Sobrellevamos su realidad a través de su percepción, y resistimos junto a ella los avatares de su entorno. Darren Aronofsky logra impactar con la mutación física que va sufriendo el personaje; nos duelen las plumas y los huesos de cisne que van poblando el cuerpo de Nina, lógicamente, dentro de su realidad. El retrato de Portman de una artista bajo asedio resulta inolvidable, es imposible apartar los ojos de ella, y compone una de sus mejores actuaciones. Con una calidad técnica prodigiosa, con actuaciones espléndidas del elenco y una música que acompaña y exalta los sentimientos de los personajes, "El cisne negro" es una celebración para el cine, llena de exquisitez y de talento. Una de las mejores películas del año que, seguramente, quedará en el recuerdo como un poderoso drama psicológico que estremece al espectador.

La directora Susanne Bier construye con esta "En un mundo mejor" una sólida película, inexorable, que emociona y nos deja mudos ante la inevitable introspección que suscita. No por nada logró que su película ganara el último Oscar al filme de habla no inglesa. La precisa dirección actoral de Bier saca lo mejor de los niños actores, que deben protagonizar escenas de alta intensidad, ya sea física como emocional. También los actores adultos Mikael Persbrandt y Trine Dyrholm (vista hace poco en "Aguas turbulentas") aportan su gran oficio, ofreciendo momentos de tensión y de reflexión. La mirada de la directora resume en esta historia lo que muchos pensamos: qué difícil se está haciendo para la raza humana poder convivir en paz, poder hacer el bien, poder compartir la vida con los demás y aceptar las diferencias que tenemos con los otros. Pareciera que necesitamos exterminar al que piensa, siente o vive diferente a uno, sin comprender que cada uno tiene una manera propia y única de ser, percibir y valorar al mundo y que, por ende, debemos esperar que cada una de las personas que nos rodea tenga opiniones, hábitos y pautas de vida distintas a las nuestras. Gracias Dinamarca por esta película; gracias Susanne Bier por este sacudón que necesitamos para entender que, enfrentados, no llegamos a ningún lado. Es una verdad que hay que aceptar y en la que debemos fundar las relaciones humanas para una convivencia de mejor calidad… por un mundo mejor.

 Cuesta reseñar un filme así, y sería demasiado reduccionista decir que el argumento trata sobre una familia a lo largo de los años, porque éste es un punto de partida del realizador para presentar su visión del mundo, pero sin dudas es lo más parecido a lo que se conoce como Cine Arte o experimental, sin ser tan narrativo, imponiendo un subjetivo estilo de creación para que el espectador elabore las ideas que le provoque esta experiencia cinematográfica. Gran película, de no fácil visionado, sería superlativo que resulte una película PARA TODOS, pero termina siendo PARA POCOS, dada la idea que tenemos incorporada de "lo que debería" ser el cine. Seguramente, si estuviésemos observando un cuadro, escuchando una sinfonía o admirando una escultura, seríamos menos pretenciosos en cuanto a “entender” más su significado y nos libraríamos más a lo que nos produce emocionalmente. Amén de otras artes, el cine, parece, necesita ser “comprendido” en un 100%, sin alcanzarnos que nos guste estéticamente o nos conquiste desde los sentidos. El filme permite una introspección que no siempre se logra en miles de filmes; deja que el espectador construya la historia en su cabeza. Pero más que nada, provoca emociones (de todo tipo) con la belleza de las imágenes y los sonidos, con los simbolismos implícitos y en consonancia con las escenas que muestran la relación del pequeño Jack con sus padres, con sus hermanitos, con el mundo y con él mismo.

Unos padres llevan una particular manera de educar a sus hijos, quienes jamás han cruzado la valla que cerca la casa, apartada de la ciudad. 
Los jóvenes están siendo criados con métodos que sus padres juzgan apropiados, sin ninguna influencia del mundo exterior, y les han inventando un hermano imaginario, condenado al ostracismo por su desobediencia. 
Los tres viven bajo un régimen cuasi autoritario, que los reduce al nivel de bestias, de animales, de perros. De vez en cuando el padre lleva a Cristina, una mujer para satisfacer las urgencias sexuales del hijo varón. Pero con ella también entran las “amenazas” del mundo exterior y pronto la situación se sale de control. 
El filme es continuamente desconcertante, difícil de digerir, frío en su puesta en escena, pero para subrayar aún más la abrumadora situación. 
Arriesgado y valiente el trabajo actoral, incluyendo escenas que bordean el sexo explícito. Entre la perversión y el terror, este filme sacude a quien lo vea, abriendo su mente de par en par.


Dirigida por el danés Nicolas Winding Refn, su última película cuenta con Ryan Gosling como un conductor ermitaño, parco, como los solitarios antihéroes de los filme de los años 70. No estamos frente a una película “de tiros y persecuciones”, por más que los tenga en impactantes dosis. Es un filme noir, dramático, de acción, romántico, como aquellos filmes que solían hacer Pacino o De Niro hace casi cuatro décadas, donde un antihéroe se veía sumergido en un conflicto que en principio le era ajeno y luego terminaba protagonizándolo, con enormes picos de tensión. Lo que más sobresale es su puesta en escena, remarcando la elección de las locaciones y decorados; el maquillaje y los efectos visuales; el vestuario (incluyendo la chaqueta de Gosling con el escorpión); y especialmente la iluminación, con gran presencia en los exteriores nocturnos, dentro y fuera del auto, y las luces verdes, azules y anaranjadas que recorren constantemente el rostro del protagonista mientras maneja. "Drive" es un festival para los sentidos, con ese tufillo de filme de culto con aires de independiente y personal, gracias al sello de su especial director, que no duda en utilizar la cámara lenta para subrayar situaciones clave, estados de ánimo de los personajes e instancias de enorme suspenso. Gosling confirma cada vez más su estrellato, paradójicamente en filmes de corte más independiente o arriesgado. No es un filme particularmente emotivo o emocionante porque, justamente, lo que prima es la violencia y el crimen; sin embargo resulta innegable percibir que deja una estela entre conmovedora y sensible.


Ya desde el exordio se nos presenta una obra que apunta a los sentidos: con el fondo musical del prólogo de “Tristán e Isolda” de Wagner asistimos al visionado de una especie de cuadros móviles, planos ralentizados de situaciones que, más adelante, cobrarán total sentido, porque pertenecen a instancias dramáticas luego desarrolladas. A partir de allí, el filme comienza a transcurrir, segmentado en 2 partes muy diferenciadas, separadas por las placas “Capítulo 1: Justine” y “Capítulo 2: Claire”, haciendo referencia a los dos personajes centrales de la trama, dos jóvenes hermanas adultas, pertenecientes a una acaudalada familia, pero con enormes problemas de fondo. Pareciera que el interés de la cinta no se orienta hacia lo racional sino más a lo metafísico o emocional, ofreciendo una buena cantidad de escenas con características trascendentales y de planos notables, significativos. Se vive cierta tensión de manera constante, sin advertir lo que está por venir, lo que hace disfrutable su visionado. Párrafo aparte merece la ganadora de la Palma de Oro como mejor actriz en el Festival de Cannes, Kirsten Dunst da muestras de un talento interpretativo que nunca antes había podido demostrar de esta manera. Charlote Gainsbourg como Claire secunda con creces a la protagonista, en esta gran obra del polémico Lars von Trier.

Último trabajo de Pedro Almodóvar, dos años después de que “Los abrazos rotos” (2009) recogiera un gran recibimiento a nivel internacional. Esta vez, el director manchego realiza la adaptación de la novela “Tarántula”, de Thierry Jonquet, entregando un melodrama que bordea el relato de terror, protagonizado por una especie de doctor Frankenstein que juega a ser dios, manipulando a otras personas como experimentos de laboratorio.La escenografía y utilería del filme tienen preponderantes presencias, realzando la bella finca señorial en la que está filmada la película. La música de Alberto Iglesias (que incluye algo de instrumentos electrónicos) así como la cuidada composición de los encuadres, aportan belleza audiovisual, reforzando el drama de sus protagonistas Antonio Banderas y Elena Anaya. Resulta complejo determinar la cuestión protagonista-antagonista, dado que se intercambian constantemente ambos roles. Los dos son víctimas y victimarios del otro, y la vida los une uno al otro en una enfermiza relación que culminará en grandilocuente tragedia. Si bien existen algunos apuntes de humor, en este caso son muy breves, y gana lugar el drama y el horror. La presencia de buenos actores, incluyendo también a la gran Marisa Paredes, le otorgan la credibilidad de la que el guión, por momentos, carece. Eso no quita que se extinga el entretenimiento, es más, todo lo contrario, sólo que el nivel de verosimilitud no es muy alto, y hay que ver la peli con pocos prejuicios para poder entrar en el submundo propuesto por Amodóvar durante 2 turbadoras horas.

El matrimonio compuesto por Becca y Howie Corbett está regresando a su existencia cotidiana en la estela de una horrorosa y repentina pérdida. Hace apenas ocho meses eran una feliz familia suburbana, con todo lo que querían. Pero en un segundo lo perdieron todo: su pequeño hijito de 4 años fue atropellado por un auto conducido por un adolescente. Ahora, ambos están atrapados en el laberinto de la memoria, la nostalgia, la culpa, la recriminación, el sarcasmo, y la rabia estrictamente controlada de la que no pueden escapar. El viaje resultante es una mirada íntima a dos personas aprendiendo a volver a comprometerse entre ellos y con un mundo que se ha salido de su eje. Dirigida por John Cameron Mitchell sobre un guión del aclamado David Lindsay-Abaire, adaptado de la obra ganadora del Premio Pulizter en 2007. El reparto, liderado por la ganadora del Oscar Nicole Kidman, y el nominado al Globo de Oro Aaron Eckhart incluye a la dos veces ganadora del Oscar Dianne Weist.

La trama es muy sencilla, pero su nivel de profundidad es equitativamente complejo. El paseo comienza como un encuentro entre dos personas que intentan seducirse intelectualmente, intercambiando conceptos sobre arte. Pero, de a poco, la incomunicación entre ambos gana terreno y se hace cada vez más evidente en las banales conversaciones, en los reproches y la mutua indiferencia. La vida de los protagonistas es como que se escinde y, sin elipsis, los dos casi desconocidos pasan a ser (o representar, tal vez) una pareja casada desde hace años. Por lo tanto, nunca queda demasiado evidente si acaban de conocerse o si son un matrimonio; o ambas cosas a la vez… Tal vez no importa y toda la trama del filme es sólo una excusa para asistir a diversos momentos que puede atravesar una pareja. Y en todas esas charlas, en todos esos conceptos vertidos por ambos, se logra una identificación que nos acerca a ellos. Notable obra de Abbas Kiarostami, minimalista en su puesta en escena (aunque sobran bellos encuadres) pero compleja a la vez por lo antedicho sobre el doble juego de los personajes. Juliette Binoche es simplemente magnética en este rol: exuda naturalidad y no por nada ganó el Premio a la Mejor Actriz en Cannes 2010. Un filme para un público selecto (especialmente adorador del realizador iraní) que desee regocijarse con las bellezas naturales de un escenario encantador, identificarse con muchas de las reflexiones planteadas y enredarse en un interesante juego de representación.


Jess (Melissa George) necesita un descanso. Madre soltera, con un trabajo de camarera y un hijo autista, recibe la propuesta de un amigo de pasar un día en alta mar, con otros amigos, alejada de todo, como algo más que una buena idea. Pero una tormenta echa "por la borda" la diversión, y los deja flotando a la deriva. Un enorme buque surge de la nada, garantizando un rescate que termina resultando la más grande de las pesadillas. El guión tiene preparada una sorpresa que no conviene develar, pero deja al espectador boquiabierto, al igual que a su protagonista, que descubre una realidad inusitada. No es una película de terror más; no tiene nada que ver con una slasher movie, a pesar del afiche promocional. La película se transforma de golpe en una especie de videojuego interactivo en el que debemos razonar con el personaje de Jess cómo solucionar el conflicto en el que se ha metido sin querer. El metódico montaje cobra una presencia crucial y las paradojas espaciotemporales como herramienta fundamental de la trama funcionan con perfección milimétrica. La narración tiene un in crescendo constante y el clima logrado en la cinta hiela la sangre. Imperdible título de hace un par de años, que descubrí recién ahora y se transfirmó increíblemente en el Top 10 del año. A no dejarla pasar!!!

VIDEOCINE: Trailer de "El artista" (2011), de Michel Hazanavicius

Hollywood, 1927. 
George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo al que todo le sonríe. 
La llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y lo lleva a caer en el olvido. Pero la joven extra Peppy Miller (Bérénice Béjo) empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas. 
THE ARTIST cuenta la historia de estos dos destinos entrelazados.

No se podría agregar más nada, luego de leer lo que sigue:

2011: Festival de Cannes: Mejor actor (Jean Dujardin)
2011: Festival de San Sebastián: Premio del público
2011: Festival de Hampton: Mejor película (Premio del público)
2011: Festival de Sevilla: Premio EFA del público
2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y director
2011: Premios del Cine Europeo: Mejor banda sonora. 4 nom., incluyendo mejor película
2011: Independent Spirit Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2011: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y guión
2011: Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película

FOTO ACERTIJO: Discriminación x 8

Sabemos que la discriminación es un tema holgado para tratar en películas, es un fenómeno que ocurre en las relaciones que se establecen entre diversos sectores sociales, cuya principal característica es la opinión negativa que un grupo tiene sobre otro. La discriminación se manifiesta en actitudes y prácticas de desprecio hacia una o varias personas a quienes se las valora de forma negativa y se les asigna un estigma social que desemboca en la negación de sus derechos y sus oportunidades de desarrollo en condiciones de igualdad.
Son variadas las temáticas o los tipos de discriminación que el cine decide mostrar en historias audiovisuales, ya sean basadas en hechos verídicos como ficcionales: discriminación a los de raza negra, boliviana, china; a los judíos, los homosexuales, los discapacitados, las comunidades indígenas, y más.

A raíz del estreno de "The help", que trata esta temática tan especial, la FOTO ACERTIJO múltiple nos encuentra con 8 películas que nos enfrentan con las más diversas discriminaciones.


Responder el título de cada filme con su Nro. correspondiente.

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Muchas gracias por responder a Chauncey, Olvin, Rafael, FH, Manderly e Isadora!!!

En algunos casos agrego títulos diversos...

1- Philadelphia

2- El hombre elefante

3- Mississippi en llamas o Arde Mississippi

4- American History X

5- Gran Torino

6- Traicionados o El sendero de la traición

7- Gentleman's Agreement o Una luz para todos o La barrera invisible

8- ¿Sabés quién viene a cenar? o Adivina quién viene esta noche.

VIDEOCINE: Trailer de "We need to talk about Kevin" (2011), de Lynne Ramsay

Eva, una mujer satisfecha consigo misma. Es autora y editora de guías de viaje para gente tan urbana y feliz como ella. Casada desde hace años con Franklin, un fotógrafo e iluminador que trabaja en publicidad, decide, ya cerca de los cuarenta años y tras muchas dudas, tener un hijo. El producto de tan indecisa decisión será Kevin. Sin embargo, casi desde el comienzo, nada se parece a los inefables mitos familiares de la clase media urbana y feliz.

Otra película que podría llegar a conseguir algunas nominaciones al Oscar, pues viene muy aclamada por la crítica en los festivales de cine. Se trata del nuevo trabajo de la directora Lynne Ramsay ("Morvern Callar"). En este caso presenta una adaptación de la novela de Lionel Shiver, “We need to talk about Kevin” (Tenemos que hablar sobre Kevin) que cuenta la historia de una masacre realizada en una escuela secundaria desde el punto de vista de la madre del asesino. La película está protagonizada por Tilda Swinton y John C. Reilly. 

FOTO ACERTIJO

Ambas películas tienen algo en común.
Una es de 1954 y la otra de 1995.
Ambas están protagonizadas por el terceto de las fotos.


Responder de cada una:
1- Título
2- Actores de la foto
3- Director


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Excelente Antonella Moriena, Cinespera y FH!!!

FOTO 1

1) Sabrina
2) Humphrey Bogart, Audrey Hepburn, William Holden

3) Billy Wilder

FOTO 2
1) Sabrina 
2) Greg Kinnear, Julia Ormond, Harrison Ford 

3) Sydney Pollack

FOTO ACERTIJO: Pfeiffer x 8

Ésta es una de las pocas FOTO ACERTIJO no resueltas del blog.

¿Será porque la Pfeiffer no cotiza?
En 1982 le llegó la oportunidad de interpretar un papel protagonista en el musical Grease 2, como Stephanie Zinone. La película fue un fracaso de crítica y público, lo único apreciable de esta secuela fue Michelle, a la que nominaron a un premio como mejor actriz debutante.

Debido al fracaso de esta cinta, la actriz estuvo más de un año sin trabajar. Nadie quería contratarla hasta que Brian De Palma accedió a hacerle una prueba como la esposa cocainómana de Al Pacino en "Scarface", y de ahí... al estrellato!!!!

 Responder título de cada película con su Nro. correspondiente.

Vamos a animarse!!

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Excelente Alexandra y Dialoguista. Bien por Anónimo (Gustave?) y FH!!

1. La edad de la inocencia.
2. Stardust.
3. Batman vuelve.
4. Mentes peligrosas.
5. Hairspray
6. Mi nombre es Sam.
7. Relaciones peligrosas.
8. Grease 2.

VIDEOCINE: Trailer de "El juego de la fortuna" (2011), de Bennet Miller

Se basa en la historia real de Billy Beane, Gerente General de los Atléticos de Oakland, y su intento de crear un equipo competitivo a pesar de contar con uno de los presupuestos más bajos de todas las Grandes Ligas. Beane y su asistente Peter Brand, mediante el uso de sofisticadas estadísticas sabermétricas, récords, porcentajes y promedios, lograron mantener a los A's en los primeros puestos durante varios años consecutivos.

“El juego de la fortuna” es la adaptación cinematográfica de “Moneyball: The art of winning an unfair game”, de 2003. Este libro de Michael Lewis nos relata la historia real de Billy Beane, el Gerente General de los Oakland Athletics, quien utilizó unos complejos análisis estadísticos para confeccionar la plantilla más adecuada para dicho equipo de béisbol. En 2004, Columbia Pictures compró los derechos del libro de Lewis, y tras varios años de desarrollo, la película fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto del 2011 y lanzado el 23 de septiembre de 2011 ante la aclamación de la crítica. Está protagonizada por el favorito al Oscar Brad Pitt, Phillip Seymour Hoffman y Jonah Hill.

Crítica - "Melancolía" (2011), de Lars von Trier: "Metafísica obra sobre el Apocalipsis"" (por halbert)

 

Siempre resulta algo complejo comentar o criticar un filme tan especial como lo es éste. Especial porque, desde el vamos, su director Lars von Trier ha sido (y es) un controversial referente del cine contemporáneo, especialmente por ser creador de aquel movimiento fílmico desarrollado en 1995 por directores daneses cuya meta era producir películas simples, sin modificaciones en la posproducción, poniendo énfasis en el desarrollo dramático. Estamos hablando del Dogma 95. 

 Alejado de esa estética, aquí, en “Melancholia”, uno de los puntos fuertes es la calidad de imagen y sonido: fotografía y música, principalmente, se unen para generar sensaciones en el espectador.
Si uno tuviese que escribir en una línea la historia aquí narrada, podríamos suponer que se trata de un filme de ciencia ficción con grandilocuentes escenas de acción y suspenso. Sin embargo, aunque hay algo de lo nombrado anteriormente, la mirada particular de Von Trier hace de ésta una obra exclusiva, personal y, por qué no, rara.
Un planeta llamado Melancholia se acerca a la Tierra y hay enormes posibilidades de que choque con ella, terminando con la raza humana; dos hermanas le harán frente, intentando sobrevivir.
Ya desde el exordio (con algunas similitudes al inicio de “The tree of life” de Terrence Mallick) se nos presenta una obra que apunta a los sentidos: con el fondo musical del prólogo de “Tristán e Isolda” de Wagner asistimos al visionado de una especie de cuadros móviles, planos ralentizados de situaciones que, más adelante, cobrarán total sentido, porque pertenecen a instancias dramáticas luego desarrolladas.


Resultan impactantes imágenes por la belleza de su composición, por sus colores, su definición y su texturas, además del lento movimiento dentro de ellas.
A partir de allí, el filme comienza a transcurrir, segmentado en 2 partes muy diferenciadas, separadas por las placas “Capítulo 1: Justine” y “Capítulo 2: Claire”, haciendo referencia a los dos personajes centrales de la trama, dos jóvenes hermanas adultas, pertenecientes a una acaudalada familia, pero con enormes problemas de fondo (como los de “La celebración” de Thomas Vintenberg).

En esa primera parte, a Justine se la elige mostrarla en el día de su boda, denotando una impostada felicidad y siendo custodiada celosamente por su hermana, la organizadora de cada detalle de la fiesta. Sin embargo, la celebración estará teñida por los brotes depresivos de Justine, llevando el festejo a un destino poco ideal.
En la parte 2, Claire protagoniza su miedo al fin del mundo, especialmente por los datos que su esposo científico le da acerca del posible choque de Melancholia, y su reacción frente a la posibilidad del Apocalipsis.
Pareciera que el interés de la cinta no se orienta hacia lo racional sino más a lo metafísico o emocional, ofreciendo una buena cantidad de escenas con características trascendentales y de planos notables, significativos. Se vive cierta tensión de manera constante, sin advertir lo que está por venir, lo que hace disfrutable su visionado (lo que llamo comúnmente “experiencia cinematográfica”).
Hay que remarcar que, como espectadores, debemos ser algo concesivos mientras transcurre el drama presentado, ya que semejante acontecimiento catastrófico de un posible choque de planetas, seguramente debe estar siendo seguido a través de medios televisivos y gráficos, pero ninguna noticia llega a la mansión que los tiene aislados.

Párrafo aparte merece la ganadora de la Palma de Oro como mejor actriz en el Festival de Cannes, Kirsten Dunst da muestras de un talento interpretativo que nunca antes había podido demostrar de esta manera, entregando una agotada, casi extinguida Justine, víctima de un estado que no se explica mucho, pero que expresa con todo su cuerpo y su rostro.
Charlote Gainsbourg como Claire secunda con creces a la protagonista del capítulo 1 y emerge con enorme autoridad actoral en el segmento que la tiene como heroína. Grandes nombres de la cinematografía mundial se dan aquí en el plano actoral, contando con breves apariciones de Charlotte Rampling, John Hurt, Stellan Skarsgard y Kiefer Sutherland.

El 19 de mayo de 2011, el Festival francés en el que se presentó este filme declaró al cineasta "persona no grata", con su consiguiente expulsión del certamen. La polémica se desató tras unos comentarios de signo pronazi vertidos por él mismo, en los que el cineasta afirmó “comprender a Hitler”. Separando al von Trier director del von Trier persona (¿se puede?), es innegable su capacidad creativa, su modo personal de encarar sus obras, sus nada indiferentes trabajos cinematográficos. “Melancholia” no queda fuera de esta clasificación, resultando una película interesante, sugerente, controvertida y atractiva para los sentidos más que para la razón.

FOTO ACERTIJO

Considerada una de las 100 mejores películas cómicas en la historia de Hollywood según las listas del American Film Institute.

Pese a no haber tenido éxito comercial el año de su lanzamiento (1987), esta cinta se ha convertido en una película de culto en los Estados Unidos por su simbolismo, música, lo poco convencional de sus personajes y el lenguaje utilizado.

¿De qué va la historia?
Cuando un ladrón de poca monta y una oficial de policía se conocen, después de que ella sea la encargada de tomar las fotografías de ingreso a la estación de policía, ambos se enamoran y él promete cambiar y hacerse un hombre de bien.

Responder:
1- Título del filme
2- Actores de la foto
3- Directores

Hacé click en comentarios para responder.

Excelente Marisa, Oscar, Emilio, FH, Laura y Sol!!!

Título: Arizona Baby (Educando a Arizona)
Actores de la foto: Nicholas Cage y Holly Hunter
Directores: Ethan y Joel Coen

Crítica - "¿Cómo lo hace?" (2011), de Douglas McGrath: "Mujeres al borde..." (por halbert)

Esta adaptación de la novela de Allison Pearson a cargo del director Douglas McGrath no aporta demasiado a la cartelera local; sólo es un amable entretenimiento que propone, apenas, un poco de reflexión. Kate Reddy (que suena como “ready”, que en inglés significa “lista, preparada”) es una mujer que tiene un excelente cargo en una firma bostoniana de gestión financiera; está casada con un comprensivo marido, un arquitecto desocupado, y ambos tienen dos pequeños hijos. Esta profesional mujer recibe un importante encargo que la obliga a realizar frecuentes viajes a Nueva York, lo que complicará la estabilidad familiar y la relación con los suyos. Para complicar las cosas, el nuevo y encantador colega de Kate resultará un peligro para el delicado equilibrio que ella pretende mantener.



La película sólo funciona como un buen entretenimiento y se apoya únicamente en las tribulaciones de esta madre-esposa-profesional de clase media. Es por ello que el personaje de Sarah Jessica Parker lleva el hilo conductor de la narración y no lo suelta jamás.
La estructura está planteada con el recurso cuasi-testimonial de hablar a cámara, esto es: algunos personajes aparecen a lo largo de la cinta hablando sobre ella, como si fuesen entrevistados que prestan testimonio sobre la vida de Kate, aportando la mirada particular de cada uno de ellos. Así encontramos a la secretaria de Kate, a su mejor amiga, al principal contrincante en la empresa y a otra mamá de la escuela.
El guión es bastante simple y no contiene ninguna sub-trama; más que nada se apoya en el trabajo de Kate y su relación con estos personajes secundarios, además de con su esposo e hijos, mostrando cómo afecta cada vez más su vida laboral por sobre su vida familiar. Nada es original aquí: lo que vemos es exactamente lo que el trailer prometía, sin ningún sobresalto ni historia escondida; comienza, transcurre y termina tal cual uno se lo espera. Por suerte sólo dura 90 minutos y eso ayuda a no alargar algo que resulta obvio de entrada, sin crear conflictos extra que sólo dilatarían sin sentido la llegada al desenlace.


Lo que tiene de bueno es que, al menos, el conflicto planteado es sincero, real, verídico, creíble; tal vez algo caricaturizado, pero para generar más empatía con el personaje central. Como sugiere el personaje del marido: más que una mujer es una malabarista.
A pesar de todo, tiene un buen elenco en el que se apoya: Greg Kinnear, Pierce Brosnan, Kelsey Grammer, entre otros.
Seguramente habrá enorme identificación por parte del público femenino que está en las mismas condiciones que la (des)afortunada Kate.